Teherán Aguilar: “Todavía tengo el deseo de hacer cine en Cuba”

Para Teherán Aguilar, actuar nunca ha sido únicamente interpretar un personaje. También ha significado estudiar el comportamiento humano, entrenar el cuerpo, educar la voz y aceptar que cada proyecto representa una nueva oportunidad de aprendizaje. Esa búsqueda constante de crecimiento ha marcado una trayectoria construida desde la disciplina y la curiosidad, dos cualidades que considera esenciales para mantenerse vigente en un oficio en el cual, asegura, nunca se deja de aprender.

Su carrera lo ha llevado por el teatro, la televisión y el cine, dentro y fuera de Cuba. Desde sus inicios sobre los escenarios hasta su participación en producciones como Historias de fuego (2007), Bailando cha cha chá (2005), Vidas cruzadas (2019), El rostro de los días (2020), Asuntos pendientes (2023) y la reciente telenovela Entre aguas, ha construido un recorrido caracterizado por la preparación constante y el interés por asumir cada personaje desde la verdad y la autenticidad.

Quien comenzó casi por casualidad en un grupo de teatro aficionado, después de haber trabajado como modelo, terminó encontrando en la actuación una forma de entender mejor a las personas y a sí mismo. Hoy, convertido en uno de los rostros más reconocibles de la escena audiovisual cubana, defiende el trabajo, la constancia y el estudio como las herramientas que permiten transformar el talento en una carrera sólida y perdurable.

¿En qué aspectos o habilidades tuviste que trabajar para ser el actor que eres en la actualidad?

El actor constantemente está y estará en formación hasta el último trabajo que haga en su vida. Es una carrera de aprendizaje; la primera enseñanza y la formación que tienen los actores es la vida misma. 

En la medida en que vas ganando experiencia como persona, vas enriqueciendo todo el bagaje de vivencias que tienes. Eso te da herramientas para enfrentar los personajes. Estás mucho más preparado para trabajar. El actor no se termina de formar nunca, sigue avanzando en su formación. 

El entrenamiento es tanto físico como psicológico. Implica preparación general desde el punto de vista físico para enfrentar algún personaje de acción, así como también llevar eso mucho más allá de la escuela a un plano personal.

Soy una persona alta; trato de que el peso de mi cuerpo no me haga ser torpe; por esta razón trabajé la ligereza. Es recomendable trabajar en ese aspecto principalmente cuando uno se va a desempeñar en el teatro. Para eso, el entrenamiento danzario favorece mucho. Participé en espectáculos de danza, sobre todo con la compañía Rosario Cárdenas. Es de las cosas puntuales que siempre me preocupé por trabajar: mantener un manejo del cuerpo con destreza en el escenario o frente a la cámara.

Por supuesto, también es fundamental el manejo de la voz —la proyección correcta— y eso se lo debo a la profesora del ISA de voz y dicción Carmen Fragoso. Aprendí dónde va la voz y en el momento que me hace falta la coloco correctamente. Es algo importante para los actores; no solo para cuando trabajas en el teatro, funciona también en la televisión y cuando trabajas en otros países y tienes que buscar lo que la gente llama erróneamente “acentos neutros”. La correcta colocación de la voz ayuda mucho. Es otra de las cosas a las que en un momento determinado le presté mucha atención: la corrección y el ritmo de la voz.

El canto no ha sido mi fuerte, pero en algún momento lo trabajé porque tuve que cantar en espectáculos teatrales. Estuve dando clases de canto con la maestra María Eugenia Barrios. 

La danza y el baile vienen por lo físico. No es algo únicamente mío; creo que todos los actores trabajan estos aspectos en algún momento. Unos le prestarán más atención, otros no. Yo he tratado de prestarle mucha atención a ese elemento por los aspectos físicos y psicológicos de los personajes.

¿El teatro te dio el impulso definitivo para apostar por la interpretación?

Acompañando a una novia que estaba en un grupo de teatro aficionado, me gustó y, como entretenimiento, comencé a participar hasta que le cogí el gusto. Hice mi primera obra aficionada con ese grupo en el año 1996. Venía de hacer otro tipo de trabajo escénico en pasarela; había sido modelo de La Maison. El disfrute de estar parado frente a un público ya lo había vivido, pero no había experimentado algo tan complejo como es la elaboración de un personaje.

Hice la prueba del Instituto Superior de Arte (ISA) y no aprobé, pero en un segundo momento logré entrar y eso lo definió todo. Cuando entras, te enganchas en ese mundo y ya no sales de él.

¿Has preferido subirte a un escenario en vez de hacer cine o televisión?

No tengo preferencia de un medio sobre otro. Me gustan de la misma manera los tres (teatro, cine y televisión). La televisión es el medio que más he realizado y eso me da la comodidad de que, cuando voy a trabajar, todo el mundo me conoce y eso ayuda un poco. Disfruto, adoro y amo de igual manera hacer cada uno de los medios. Incluso reconociendo las diferencias técnicas, de forma de trabajo y proyección que tienen cada uno.

El único que hasta ahora no me llama mucho la atención para dramatizados es la radio. Puede ser un poco de ignorancia de mi parte. La radio me llama más la atención para la conducción.

¿La pintura es otra de tus pasiones artísticas?

El dibujo y yo siempre nos hemos llevado bien, de manera natural y espontánea; sin haber pasado un curso ni un taller. Me ha gustado desde siempre y, si no lo hago mejor, es porque no me dedico constantemente a ello. He estado en exposiciones de actores que incursionamos en esta manifestación. Es una de las artes que más me gusta. Es algo que me gusta y se me da bastante bien. Quisiera seguir haciéndolo.

¿Tu proceso de acercarte a un personaje ha cambiado con los años?

Claro, con los años la manera de acercarse a los personajes va cambiando a medida en que uno como persona también cambia y adquiere más experiencia. Eso te permite entender cómo se comportan los seres humanos en determinadas circunstancias.

Técnicamente, hay cosas que se mantienen en cuanto a la caracterización del personaje. A menos que te exija algo nuevo. En general, lo que cambia es eso, a partir de la experiencia de la persona, jugando con los elementos técnicos que uno ha aprendido.

Desde los inicios de tu carrera tuviste una importante presencia en la pequeña pantalla. ¿Este medio es una buena escuela?

Siempre se dice que la madre de la enseñanza de los actores, y donde mejor se aprende, es el teatro. Pero, con todo el respeto hacia los demás, creo que en Cuba eso no siempre se cumple. El teatro que se hace aquí es mayoritariamente de determinadas tendencias y estilos, donde el actor se entrena, se desarrolla y se perfecciona, pero no va mucho más allá de esos lenguajes.

La mayor parte de los estilos que se desarrollan en La Habana son muy formales, metafóricos y poco realistas. Creo que el teatro realista o psicologista prácticamente no se hace en nuestro país. Ese tipo de entrenamiento no lo tienen los actores en el teatro cubano y tampoco se ofrece con frecuencia en la academia. Uno de los directores que más se ha acercado en los últimos años al teatro realista y psicologista, donde el actor se ve obligado a trabajar seriamente con la verdad, es Carlos Celdrán.

Por eso, a muchos de los actores que se desarrollan únicamente dentro de esas tendencias de sus grupos después les cuesta trabajo pararse delante de una cámara.

A partir de ahí es que digo que la televisión es una buena escuela porque, al igual que el cine, te obliga a trabajar con la verdad. Lo es siempre que uno pueda trabajar con frecuencia. Si logras participar en una telenovela, donde tienes tiempo para desarrollar un personaje con constancia, y después vuelves a incursionar en otro dramatizado, ese entrenamiento resulta muy valioso.

La televisión te obliga a trabajar desde la verdad. Claro, a veces se comete el error de confundir la organicidad con representarse a uno mismo todo el tiempo. Ves actores que en una novela son ellos mismos y en la siguiente sucede exactamente igual.

Hay que trabajar y buscar una caracterización para cada personaje. Siempre con la obligación que te impone este medio de mantenerte cercano a lo real y a lo verdadero. Ese es un entrenamiento muy valioso.

Después, el actor que quiera desarrollar un estilo o una tendencia teatral específica también puede entrenarse en ello, por supuesto, pero hay que partir de lo básico. La efectividad de cualquier entrenamiento depende de la constancia y la frecuencia. El problema es que estamos viendo cómo la televisión produce cada vez menos dramatizados.

Creo que la televisión es una buena escuela, siempre que el actor la aproveche para profundizar en esa búsqueda de la verdad, la organicidad y la sinceridad interpretativa.

¿Has interpretado algún personaje sin entenderlo?

Sí, claro. En algún momento interpreté personajes sin entenderlos completamente, sobre todo al principio. También hice personajes en desacuerdo con algunos directores. 

Una de las cosas que uno aprende con el paso de los años es que, al personaje que no entiendas, que no te guste mucho o que te motive poco, tienes que encontrarle o crearle cosas para que te motive. Es como crear sobre lo ya creado en el guion. 

Tienes que imaginar qué le pones, qué le das, qué le sumas para que entonces sea entretenido para ti y lo empieces a entender y te quede cómodo y a gusto. Eso es un método y una forma de trabajar que se aprende con el paso de los años en la profesión.

¿Te juzgas cuando te ves en producciones de años anteriores? ¿Sientes que habrías enfrentado esos personajes de forma diferente o te sientes complacido con el resultado?

Claro que me juzgo, pero no tengo un grave conflicto, no me siento inconforme. Estoy conforme con lo que fui como actor en esos momentos y con el resultado que tuve a partir de la experiencia y edad que tenía. Me siento feliz con las cosas que he hecho. 

Tuviste la experiencia de participar en producciones extranjeras. ¿Trabajar al lado de colegas de otros países añade presión o da seguridad?

He trabajado con actores como Goya Toledo y Sancho Gracia y te puedo asegurar que la seguridad o la presión no te las va a generar el hecho de que se trate de actores extranjeros. La seguridad y la presión vienen de ti mismo.

Si has adquirido confianza en tu desarrollo como actor, da igual que trabajes con un colega foráneo o de tu país. Lo bueno y lo malo va a venir de la persona en sí. Valoro a los actores que son buenos compañeros de trabajo y que se comprometen contigo en la escena.

La presión no está en con quién trabajes, sino en que te sientas inseguro porque no te preparaste, no estudiaste bien y vas al set de filmación o al escenario inseguro. Ni siquiera el público te puede hacer sentirte presionado en el teatro cuando tú vas seguro.

Una de las cosas que más presión le genera a un actor es el estar preocupado por si actúa bien o no, o si lo está haciendo bien o no. Cuando dejas de preocuparte por eso y no te importa si lo haces mal, es cuando mejor lo vas a hacer.

Cuando no te importa cómo te ves, o cómo sale la escena, sino sentirla, es que empiezas a vivirla.

He tenido experiencias que no han sido tan gratas con colegas de otras latitudes y de nuestro país, pero también he vivido experiencias en las cuales, se haga lo que se haga, interactuamos el uno con el otro. Eso sucede, no importa de dónde sea el actor.

¿Existen grandes diferencias en la manera de concebir una obra en Cuba y en otras naciones?

Diferencias esenciales no hay ninguna. Pueden haber diferencias desde el punto de vista técnico por los atrasos que tenemos en muchas cosas. En nuestra región te encuentras más actualización de la tecnología con respecto al equipamiento con el que se está trabajando en Cuba. Sin embargo, nosotros superamos a otros países de Latinoamérica en cuanto a la calidad humana de nuestros técnicos.

La calidad humana y la preparación de los trabajadores de la televisión cubana siguen siendo bastante altas con respecto a otros países, lo cual compensa cualquier rezago en el aspecto técnico. También en esas naciones te encuentras cosas que dices: “¿Cómo es posible que en el exterior se haga esto?”; te encuentras atrocidades desde el punto de vista de producción. A veces la gente sobredimensiona lo que es la vida fuera de Cuba. Los errores que se cometen aquí a veces no son los peores; en otros países sí.

Habría que ver cómo funciona en los grandes centros de producción: dígase Brasil, Colombia, México y Argentina. Es de suponer que Brasil tenga un nivel de producción mucho mejor estructurado que Cuba en ese sentido, porque producen sus telenovelas incluso para exportarlas.

¿Qué es lo que más te impacta de un actor?

Lo que te enseña sobre la vida humana y sobre el comportamiento en todas sus aristas. Cómo reacciona ante sus eventos de salud, cómo reacciona psicológicamente ante cada cosa que le pasa: emocionales, familiares, laborales y las ambiciones.

El actor que se interese por hacer bien su trabajo empieza a tener determinados conocimientos de psicología, o por lo menos se preocupa por tenerlos. Se fija en eso y en la historia [del personaje]. La historia es una herramienta fundamental para los actores. Me gusta la capacidad que tiene el actor de empezar a ver al ser humano con una visión de estudio constantemente. Esa es una de las cosas más interesantes de esta profesión. 

Como espectador, cuando veo a un actor, lo que más me impacta es su capacidad de sostener todo el tiempo de manera magistral un comportamiento de su personaje y un entendimiento en detalles sobre él/ella. Me admiro por sus gestos, la mirada, la paciencia, la dinámica y la energía. Que un actor llegue a un nivel de comprender tan bien cuál es la energía de su personaje, cuál es el ritmo de respiración, de mirada, de reacción, es impresionante. El actor logra llegar a un modo diferente de ser humano de manera exacta y profunda.

Has formado parte del elenco de varios largometrajes. ¿Cómo evalúas tu participación en la gran pantalla?

He estado en varios largometrajes, pero han sido participaciones pequeñas. La película en la que tengo un personaje importante es Bailando cha cha cha, del director Manuel Herrera.

Todavía tengo el deseo de hacer cine en Cuba. El cine cubano, comparado con décadas anteriores, está en un estado en el que prácticamente no hay producciones. A veces los temas se circunscriben a preocuparse nada más por lo que está pasando en Cuba, a la crítica. En mi opinión, falta un poco más de vuelo a otros temas más allá de eso. No es que no sea necesario criticar la situación social, pero no creo que deba centrarse únicamente en eso. El cine es mucho más.

¿Cuánto depende de los actores el resultado final de una obra audiovisual?

No voy a decir que el cien por ciento, pero un porciento alto, porque el rostro que se ve es el del actor. No creo que haya una obra que, por muy bien que esté el guion o muy bien intencionada que esté la puesta del director, pueda quedar bien al final si los actores tienen un mal desempeño.

El actor y la actriz son fundamentales, y quienes dan vida a la historia. La gente va a ver en el cine y en la televisión qué sucede con los personajes. Si no son creíbles y aburren, llega un momento en el que el espectador no se los cree. 

Si los personajes están como deben de estar y los actores los interpretan adecuadamente, la gente se impacta y la emoción que se produce en escena se transmite al espectador. Eso depende, por supuesto, del trabajo de los actores.

Tener talento no garantiza el éxito. ¿Valora más el trabajo duro y la constancia?

Hay personas que demuestran que tienen habilidades para algo desde temprano. Ese tipo de talento se descubre en la niñez y muestra que esa persona está capacitada para determinada manifestación. Pienso que ese talento puede ser pulido a través de la constancia y el trabajo. De no pulirse, incluso cuando sea muy expresivo, la persona se va a quedar en un nivel loable sin comprobar que pudiera llegar mucho más allá.

Hay quienes en un principio no son notables, no demuestran mucho; sin embargo, después, con esfuerzo y por el interés que tienen en desarrollarse, logran con el paso del tiempo niveles de excelencia.

Hay personas que, por el contrario, desde el principio, sin mucho esfuerzo, llaman la atención, también porque a lo mejor tienen la suerte de que les tocan personajes con los que tienen afinidades, les quedan cómodos y logran hacerlos tan bien que llaman la atención.

Esas personas, de todos modos, trabajando más, se hacen mejores actores. Creo que el talento es el diamante en bruto, y el trabajo y la constancia son la forma de manipular el diamante que lo hace expresar toda su belleza y su gracia.

¿Qué encontraste en la telenovela Entre aguas para decir sí a ese proyecto?

Lo primero es que me lo estaba proponiendo Felo Ruiz, que es un director con el que uno siempre quisiera trabajar. Primero que todo, por el tipo de persona que es, correcta y trabajadora, que vive para lo suyo. Ha demostrado además una habilidad excepcional en la dirección artística de telenovelas.

El otro motivo es el deseo de trabajar en lo que a uno le gusta. Otra de las motivaciones en cuanto al personaje era que me tocaba trabajar con Fernando Hechavarría. Es alguien con quien siempre va a ser disfrutable hacer un trabajo de actuación.

Además, encontré un personaje que, desde el punto de vista de la escritura, no presentaba características especialmente llamativas. El reto estaba en descubrir aristas por donde pudiera aportar cosas desde la creación y desde mi propia realidad para hacerlo más interesante.

Cuando un personaje no te dice mucho, pero decides interpretarlo, tienes que encontrarle elementos para que resulte más interesante para ti. Tú lo recreas sin cambiar la esencia de lo que propone el director. Eso fue lo que hice con Enrique en esta telenovela.

En un contexto donde no siempre es fácil vivir exclusivamente de la actuación, ¿cómo equilibras las necesidades económicas con la búsqueda de proyectos que te resulten artísticamente estimulantes?

En la realidad cubana no hay mucho margen para escoger. Siempre he tenido claro que el trabajo también debe satisfacer la parte económica. Hay que respetar al artista y uno también tiene que respetarse a sí mismo, garantizando que su trabajo sea justamente remunerado.

He participado en proyectos que quizá no han sido especialmente significativos desde el punto de vista actoral, pero que estaban bien pagados, sobre todo producciones extranjeras.

En otras ocasiones he dicho que no a determinados trabajos porque, aunque podían representar mayores ingresos, no me aportaban nada desde el punto de vista artístico.

También he hecho trabajos sin cobrar porque me interesaba el valor artístico del proyecto o lo que significaban para mí determinados personajes. He vivido ambas experiencias. Al final, todo es un equilibrio que depende de lo que aparezca en cada momento y de las necesidades que uno tenga.

¿Nunca se termina de aprender en esta profesión?

En esta profesión nunca se termina de aprender, y eso es lo rico que tiene. Cada proyecto representa un nuevo descubrimiento. Constantemente te sorprendes haciendo cosas que en trabajos anteriores no imaginabas que podías hacer y, de pronto, te ves afrontándolas con menos prejuicios y mayores habilidades.